El mejor clásico contemporáneo en Bandcamp: mayo de 2023

La taxonomía de la música clásica contemporánea (música nueva, música contemporánea, como quieras llamarla) es un tema espinoso. Pero todos los meses, echaremos un vistazo a algunas de las mejores músicas impulsadas por compositores que aparecen aquí en Bandcamp, que dan cabida a la experimentación electrónica, la improvisación y poderosas versiones de viejos clásicos.

La mayor parte de la música que he experimentado anteriormente de la compositora islandesa Anna Thorvaldsdottir ha brindado representaciones sublimes del mundo natural, no solo el sonido, sino también la atmósfera física y la topografía. El rango dinámico ha permitido los sonidos más pequeños y frágiles, así como los estruendosos retumbos que parecen emanar del núcleo mismo de la Tierra. Al conjurar un determinado paisaje, se adentra simultáneamente en estados mentales inherentes, condiciones que podrían ser adecuadamente descritas por los fenómenos naturales.

Las dos obras orquestales recientes abordadas en este álbum por la Orquesta Sinfónica de Islandia, dirigida por Eva Ollikainen, magnifican la estética de Thorvaldsdottir, mientras Ollikainen despliega la enorme potencia de fuego de la orquesta para traer el vocabulario frágil y delicado de Thorvaldsdottir a un mayor relieve. Cuando se abre el ARCHORA de 20 minutos, hay punteos de bajo violentos y masivos que sugieren ramas de árboles azotando con un viento azotado por la lluvia, mientras que un magnífico grupo de cuerdas descendentes señala un tipo de temor más general que se siente ciclónico. El AIŌN de tres movimientos se aleja aún más del trabajo anterior, con una meditación abstracta sobre diferentes iteraciones del tiempo; la música alterna entre vistas micro y macro, como una especie de experiencia auditiva de realidad virtual. Los arreglos de Thorvaldsdottir abarcan las posibilidades físicas de una orquesta de una manera que es a la vez estimulante y aterradora.

El experimentador veterano Ben Vida pasó cuatro años desarrollando las cinco piezas de este fascinante trabajo con la pianista Laura Barger y el percusionista Russell Greenberg de Yarn/Wire de Nueva York, y los resultados toman su tiempo para hincar el diente en la conciencia. Esa combustión lenta tiene sentido considerando el detalle de los textos de Vida, que recita en una especie de canto incesantemente rítmico, aunque en constante cambio, junto con la vocalista Nina Dante. A primera vista, las voces parecen planas e impasibles, pero con el tiempo ganan resonancia, especialmente cuando uno comienza a descubrir el fraseo siempre cambiante y el juego rítmico. Al final, tanto las actuaciones de Vida como las de Dante son claramente virtuosas.

El significado de los textos parece intencionalmente confuso, con fragmentos de comprensión que emergen con el tiempo o ciertas frases que se destacan y tienen un impacto difícil de alcanzar. Así como pacientemente se revela el paisaje sonoro minimalista de Yarn/Wire, con nuevos detalles que brotan de los patrones cíclicos de piano y vibráfono barra por barra. Hay armonías vocales sin palabras flotando en la distancia en "¿Quién frecuenta a quién aquí?" La constante nota del piano para zurdos en "Drawn Evening" asume un papel direccional, fundamentando un paisaje sonoro espacioso y de movimiento lento que abre el tramo más delicado y árido del álbum, incluso cuando se desvanece profundamente en la mezcla y su ritmo es pasado a un platillo. Beat My Head Hit no se parece a nada que haya escuchado en mucho tiempo, y si mi escucha hasta ahora es una indicación, tiene muchos más secretos para revelar en el futuro.

Este asombroso doble CD recopila dos interpretaciones, grabadas en 2006 en París y 2020 en Los Ángeles, de Naldjorlak del violonchelista Charles Curtis, quien colaboró ​​en esta pieza con la singular compositora francesa Éliane Radigue en 2005. Después de pasar décadas creando música electrónica, este epic se convirtió en su primera composición para instrumentación acústica. El dúo construyó la música en torno al "tono de lobo" del violonchelo, cuando un tono particular activa las frecuencias resonantes del cuerpo de madera del instrumento, volviéndose tremendamente inestable y desencadenando todo tipo de sonidos que la música occidental convencional ha tratado de desterrar porque los considera impuro y perturbador. En lugar de evitar este notable efecto sónico, Curtis y Radigue desarrollaron una pieza completa que explora el tono de lobo en todo el rango del instrumento, afinando tres de las cuerdas del instrumento en esta área de tono, mientras ajustan la cuarta para proyectar esas frecuencias volátiles en el cordal de metal de violonchelo.

A medida que avanza Curtis, nuestros oídos gravitan hacia los sonidos arqueados, a menudo trémulos, que lucha contra la ciencia por mantener. En algún momento comenzamos a escuchar los efectos del tono de lobo: retumbos amorfos; sonidos arremolinados, como silbidos; nerviosismo turbulento que parece tridimensional; y más. Más allá de las líneas de arco reales, Curtis abre un verdadero universo de sonido y movimiento, una demostración emocionantemente inestable de fenómenos acústicos que captura la interpretación musical en su forma más emocionante, impredecible y peligrosa. Catorce años separan las dos cuentas, pero la pieza nunca puede sonar dos veces igual. Curtis está sacando más provecho que nunca.

A veces me maravillo de que una compositora como Emilie Cecilia LeBel recién ahora esté lanzando un álbum de retratos, una década después de una prolífica carrera. Field Studies es un golpe de gracia silencioso; demuestra que LeBel ha llegado a este punto con una estética segura y apasionante marcada por la paciencia contemplativa y frecuentemente socavada por un hilo de incertidumbre emocional.

"Evaporation, blue" es una obra de una delicadeza deslumbrante, con la pianista Cheryl Duvall trazando acordes de teclado elegantes, elípticos y austeros impregnados de un decaimiento lento mientras dobla la armónica, soplando tonos rústicos contrastantes. Se escribieron varias piezas para el conjunto de Edmonton UltraViolet, un cuarteto que muestra una extraña sensibilidad por las ideas de LeBel, como con la interpretación de "... y las hojas más altas de los árboles parecían brillar con el último toque persistente de la luz del sol". Una gracia pastoral se derrumba con una colisión tensa de saxofón y flauta punzantes; contundentes acordes de piano para zurdos; y un estruendo de percusión mejorado hábilmente por el uso del compositor de altavoces transductores para generar resonancia simpática. La vocalista Jane Berry (FEMME Vocal Quartet) inyecta un esplendor melódico mesurado en el brillo tenso que genera el conjunto en "drift", mientras que la violinista Ilana Waniuk produce una impresionante variedad de sonidos y texturas en "further Migration (migration no. 1)", un festín de raspaduras microtonales, silbidos y gemidos.

Esta importante colección, distribuida en tres LP, intenta descorrer el velo de oscuridad que oculta la potente música electrónica de la compositora francesa Nicole Lachartre, quien solo publicó una pequeña pieza musical durante su vida (n. 1934-1991). Al principio de su carrera, estudió con Darius Milhaud, Jean Rivier y André Jolivet. Compuso una gran cantidad de obras para instrumentación acústica, pero una pasantía con Pierre Schaeffer en el Groupe de Recherches Musicales de l'ortf (GRM) en 1967 transformó rápidamente su práctica, lo que la llevó a las 10 piezas extendidas que se presentan aquí.

Como señalan las notas del transatlántico de Vincent de Roguin y Mark Harwood, su trabajo evitó la ortodoxia estilística de su tiempo. Por lo general, evitaba ensamblajes fluidos y muy editados en favor de algo mucho más visceral, mezclando música concreta y sonidos puramente electrónicos de acuerdo con lo que requería la pieza. Esas mismas notas analizan el sexismo incuestionable que impidió que la música de Larchartre fuera publicada o preservada durante las décadas posteriores, por lo que debemos estar agradecidos por esta invaluable excavación. Estas piezas, incluida "Onirique", su primera pieza electroacústica, que se hizo en el estudio Apsome de Pierre Henry en París y que choca agresivamente con manipulaciones de percusión dentro del piano, voz y tonos electrónicos incómodos, son uniformemente densas, a menudo llenas de ruido y disonancia, y consistentemente evocador.

A partir de algunos programas de conciertos organizados por el grupo de música experimental checo Opening Performance Orchestra hace unos años, este impresionante CD doble arroja una amplia red sobre el atractivo (y la confusión) perdurable del movimiento artístico Fluxus. Se reunió un elenco impresionante de músicos experimentales, incluida la violonchelista Deborah Walker, la pianista Agnese Toniutti y la vocalista Anna Clementi, para participar de nuevo en obras de la sólida obra de Fluxus, aún en expansión, con gente como Eric Andersen y Milan Kn​í​z​. ák incluso componiendo algunas piezas nuevas.

Sabiamente, el proyecto no hace ningún esfuerzo por imaginar algún marco de trabajo esencial, una presunción jerárquica completamente opuesta al ethos de Fluxus, sino que examina el trabajo con muchos nombres que a menudo se pasan por alto en las reseñas del movimiento. Naturalmente, hay piezas bien definidas en su conceptualidad o absurdo, como el "papel" que Luciano Chessa toca en "Paper Piece" de Ben Patterson, o las botellas llenas de formas variadas que Werner Durand controla en una interpretación de "Triad No.1" de Bengt af Klintberg. que evocan la práctica convencional orientada a procesos de gran parte del trabajo de Fluxus. Pero algunas de las otras obras funcionan bien como esfuerzos puramente musicales, como el collage de temas clásicos en la pieza de Kn​í​z​á​k de 1973 "DKH Quartet", que se escucha en un extracto de Arditti Quartet. El conjunto incluye un fascinante folleto de 72 páginas, repleto de escritos sobre el legado de Fluxus. Sub Rosa lanzará un segundo volumen de 2 CD el próximo año.

Hay un montón de detalles fascinantes detrás de la música en esta nueva colección de obras del compositor de Oakland Brian Baumbusch, algunos más notables que el hecho de que la mayoría de las piezas presentan una orquesta similar a un gamelán llamada "Lightbulb Instruments" diseñada y construida por él. El ensayo de la nota del transatlántico de Oscar Smith profundiza en los ciclos rítmicos y la afinación involucrada en las composiciones con extremo detalle, trazando el compromiso del compositor con diferentes sistemas de afinación y etnografía de una manera que subestima la deslumbrante belleza y la imaginación de la música en sí.

La obra de apertura "Prisms for Gene Davis" es una maravilla de nueve movimientos interpretada por Nata Swara, un joven conjunto balinés que, más o menos, está formado por antiguos alumnos y miembros del conjunto de Dewa Alit y su Gamelan Salukat, quizás los mejores exponentes de Música gamelán contemporánea. Baumbusch ha enviado la segunda versión de este "Lightbulb Instruments" denominada "Gen 2", como regalo para el conjunto, y aprendieron y grabaron la pieza en casa. No sé lo suficiente sobre gamelan para señalar detalles sobre cómo esto se aparta de la tradición, pero los intensos polirritmos son decididamente modernos. Baumbusch ha desarrollado su propio sistema hipercomplejo llamado polytempo, para el cual los músicos tienen que navegar por el mismo trabajo en patrones de tiempo completamente diferentes. Los miembros de JACK Quartet escucharon clics en pistas para mantenerse sincronizados en el armónicamente psicodélico "Three Elements for String Quartet". En la pieza más antigua del álbum, "Hydrogen(2)Oxygen", los dos conjuntos se combinan con una escritura que expone y modera las intensas diferencias en sus mundos armónicos.

El compositor lituano Žibuoklė Martinaitytė evoca de manera sorprendente la región titular del mar en esta oscura meditación que rastrea las profundidades más remotas de los océanos a través del sonido. La obra flota y se tambalea, con su detalle estructural emergiendo con el tiempo, al igual que nuestros ojos se adaptan a lo que podría parecer una oscuridad total, y pronto notan una definición clara. La música es interpretada por Synaesthesis, un conjunto de cámara lituano de timbre inusual (clarinete bajo, violonchelo, piano, contrabajo y tuba), junto con un banco de muestras difusas del grupo coral Volti cantando principalmente sonidos de vocales, así como tuba adicional. sonidos de contrabajo y clarinete bajo.

El paisaje sonoro que producen juntos es apropiadamente sepulcral, pero Martinaitytė logra evitar que Hadal Zone se vuelva plomizo o denso. Las muestras vocales, por supuesto, suenan humanas, pero el canto proporciona más a menudo una textura o color que una melodía, incluso cuando hay una presencia entusiasta en la sección "Epipelagic", comparativamente ligera, el nivel más alto del mar. Los instrumentos individuales salen regularmente del ritmo para articular algo más definido y emocional, pero en última instancia, el trabajo se centra en las cualidades más monolíticas. Ha creado un perfil sónico que coincide con la implacable oscuridad de las profundidades del mar, y si somos pacientes con nuestros sentidos, los detalles variados comienzan a filtrarse.

Kate Gentile es quizás mejor conocida como baterista en el extremo más experimental del espectro de la música improvisada de Nueva York, donde dirigió sus propios combos y trabajó en estrecha colaboración con el pianista Matt Mitchell, quien comparte su habilidad para la escritura compleja y serpentina, durante más de un año. década. Sin embargo, se ha convertido simultáneamente en una compositora segura de música abrumadoramente rigurosa. Esta nueva suite, interpretada con International Contemporary Ensemble, representa el conjunto de música más refinado y exigente que ha creado hasta ahora, una obra de 13 partes de imaginación meticulosa y ritmos salvajemente galopantes. Gentile lo apuesta todo, nombrando cada pieza con palabras inventadas para su placer fonético y visual, cada una de las cuales evoca constantemente la ciencia ficción, como "vlimb" y "shorm". Después de registrar el bioma ii, regresó retroactivamente y desarrolló significados para todo el vocabulario nuevo.

Ese sentido de creatividad febril que lo abarca todo puede extraerse de la música real: piezas de cámara hiperactivas interpretadas por un elenco soberbio que domina tanto la música notada como la improvisación, impulsada por el virtuosismo de Gentile. Es difícil no escuchar la influencia del saxofonista Tim Berne en sus patrones laberínticos, con zig-zags al unísono vertiginosos y ricos en detalles y explosiones estructurales repentinas, pero ella los reinventa por completo a fuerza de timbre, ritmo y sentido de la escala. Si bien hay una clara sensibilidad de rock progresivo en el trabajo, hay tanta energía efervescente y alegría en las actuaciones que nunca parece indulgente, especialmente cuando músicos como el pianista Cory Smythe, la violinista Jennifer Curtis y la fagotista Rebekah Heller se inspiran en el aire. en solos de patata caliente.

Cuando estaba en la universidad a mediados de la década de 1980, era un gran admirador de JG Thirlwell, el bicho raro australiano que fusionó la música post-punk e industrial con el rock 'n' roll de manera sui generis, creando música de incesante energía e inquietud. bajo disfraces como Foetus, Wiseblood y Clint Ruin. Dejé de prestarle mucha atención a esa obra hace mucho tiempo, pero sabía que se había convertido en un firme valedor de la escena clásica contemporánea en Nueva York. Demuestra que es mucho más que un fanático de Dystonia, un trabajo de cuerdas salvajemente visceral e impulsor interpretado aquí con la precisión y la furia típicas de Mivos Quartet. Hay una agresión que no sorprende dado el pasado musical de Thirlwell, aunque con claros destellos de Bartok y Shostakovich saliendo del ataque a menudo implacable, pero esto no es obra de un hack. Hay detalles notables y un contrapunto vigorizante crepitando a lo largo de los cinco movimientos.

En el corto "Fibrostitis", una de las secciones más mesuradas y una de las varias que llevan el nombre de trastornos musculares/nerviosos, Thirlwell presenta rasguños emocionantemente táctiles y marañas de sonido, bajo los cuales emerge un pulso palpitante, casi percusivo, parecido al de un corazón, pero la mayoría de las secciones son explosivas. Esa relativa calma es seguida por las líneas violentamente cortantes de "Ozymandias", que subrayan cuán intenso puede ser un cuarteto de cuerda, especialmente cuando está funcionando a toda máquina. Mivos ha estado en el apogeo de sus poderes con la plena integración de la violinista Maya Bennardo y el violonchelista TJ Borden. Resaltan el peligro y la vitalidad en la escritura de Thirlwell.