SFMOMA adquiere cápsula de la Torre Nakagin de Kisho Kurokawa

Preferiría estar tomando el té en el Prada Caffè de Harrod's en Londres. Soy Carolina A. Miranda, columnista de arte y diseño en Los Angeles Times, y en cambio estoy en Los Ángeles, reuniendo las noticias artísticas esenciales de la semana:

Cuando los equipos de demolición en Tokio comenzaron a desarmar la Torre Cápsula Nakagin la primavera pasada, se sintió como el final de uno de los experimentos más curiosos de la arquitectura. La torre, diseñada por el arquitecto Kisho Kurokawa y terminada en 1972, fue quizás el ejemplo más destacado del efímero movimiento Metabolismo del siglo XX, que buscaba crear edificios y megaestructuras que pudieran ser de naturaleza más orgánica o celular, estructuras que podría expandirse, contraerse o mutar a pedido.

Nakagin constaba de dos núcleos de servicio centrales de 13 pisos, a los que se adjuntaron 140 módulos prefabricados. (Desde la calle, el edificio parecía un enorme panal de ciencia ficción). Cada una de estas cápsulas tenía una cama, un escritorio plegable y un reproductor de cintas de carrete a carrete, y se comercializaron para hombres de negocios que pernoctaban regularmente en Tokio. . La idea era que las cápsulas se reemplazarían y actualizarían a lo largo de los años, y que el propietario de cualquier cápsula podría reubicarla en otras torres que finalmente podrían construirse.

El tiempo y el descuido, sin embargo, intervinieron. Y esta peculiar pero querida torre fue demolida el año pasado. (Durante meses, vi todo el proceso de desmantelamiento en las redes sociales).

Afortunadamente, la demolición no es el final de la historia.

El conservacionista Tatsuyuki Maeda, que dirigió el Proyecto de Conservación y Restauración de la Torre Cápsula Nakagin, y durante años luchó valientemente para evitar la demolición, logró conservar 23 cápsulas. (Varios de ellos se exhibieron fuera del Museo de Arte Moderno, Saitama, también diseñado por Kurokawa, en mayo pasado).

Ahora, el Museo de Arte Moderno de San Francisco está listo para anunciar que ha adquirido la Cápsula A1302, que era propiedad del mismo Kurokawa. (El arquitecto murió en 2007). La cápsula se une a otras importantes propiedades arquitectónicas japonesas en la colección del museo, incluido el trabajo de Fumihiko Maki, un compañero Metabolista cuya firma diseñó el Centro de Artes Yerba Buena, ubicado justo al otro lado de la calle de SFMOMA. El museo también ha recopilado una serie de fotografías de Noritaka Minami que documentaron la vida dentro de la torre en la década anterior a su demolición.

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Jennifer Dunlop Fletcher, curadora de arquitectura y diseño de SFMOMA, dice que la cápsula es una puntuación importante. "Es tan raro coleccionar una pieza de arquitectura a escala 1 a 1", dice ella. El tamaño de las cápsulas (solo 104 pies cuadrados) hace factible su exhibición en un museo. "Puede caber adentro, afuera y eso es fenomenal para nosotros".

Más significativamente, la cápsula se ajusta a los objetivos de colección más amplios del museo: arquitectura que se inclina hacia lo conceptual y "mira hacia el futuro", explica Dunlop Fletcher. "The Metabolists encaja bien con Lebbeus Woods y Archigram, que también están en la colección... Pero generalmente es difícil encontrar material relacionado con Metabolism en oferta".

Dunlop Fletcher había estado intrigado por el edificio durante algún tiempo. Viajó a Tokio cuando la torre se estaba derrumbando y se reunió con Maeda y otros propietarios de cápsulas dentro del edificio. "Eran estos personajes interesantes que cada uno tenía una cápsula y alquilaron un apartamento al otro lado de la calle y se reunían todos los días para ver cómo desmantelaban el edificio. Fue una variedad de emociones para ellos. Y fue muy especial que invitaran a ese espacio... Fue una experiencia increíble".

A través de sus esfuerzos, Maeda y los demás han ayudado a mantener vivos los conceptos que dieron origen a la Torre Cápsula. La arquitectura de Kurokawa se conecta con una serie de preocupaciones contemporáneas: casas pequeñas, sostenibilidad y densidad. "En lugar de derribar un edificio entero, ¿puedes reparar una parte de él?" pregunta Dunlop Fletcher. "¿Cómo vivimos de manera más eficiente?"

"Me gusta la idea nómada, el desafío de la propiedad de la tierra", agrega. "¿Qué pasaría si solo tuvieras tu cápsula y pudieras enchufarla en este núcleo o en ese núcleo?"

El desmantelamiento de la Torre Cápsula Nakagin fue doloroso de ver. (Tengo un cariño inexplicable por el edificio, que visité en 2019). Pero, de alguna manera, también marcó una oportunidad. Una cápsula llegará a San Francisco; es probable que otros se materialicen en otros lugares del mundo, difundiendo las ideas de Kurokawa en el proceso.

"No es solo la forma física a la que debemos aferrarnos", dice Dunlop Fletcher, "es el concepto".

SFMOMA completó la adquisición de la cápsula a fines del mes pasado; aún no se ha fijado una fecha de exposición.

"A Transparent Musical", el programa inspirado en la serie de televisión de Joey Soloway sobre un patriarca que se declara transgénero a una edad avanzada, tendrá su estreno mundial en el Mark Taper Forum. El crítico de teatro del Times, Charles McNulty, consideró que la producción era deficiente. "Si alguien me hubiera vendado los ojos y me hubiera llevado a esta producción, habría asumido que estaba viendo una actuación de una compañía de aficionados talentosa y extremadamente bien financiada en residencia en un centro comunitario LGBTQ+". Y sigue de ahí...

Con la entrega de los Premios Tony este domingo, McNulty dice que es hora de otorgar un premio a un componente clave del teatro en vivo: el público principal, que ha soportado COVID, baños inadecuados y puestos de comida para ir a ver a los artistas hacer magia en el escenario. "Un premio especial para el incondicional espectador de Broadway, sin el cual toda la celebrada excelencia del año no tendría sentido como el proverbial árbol que cae en un bosque sin nadie alrededor para escucharlo".

En el museo Broad, el crítico de arte del Times, Christopher Knight, repasa la muestra de arte de Keith Haring, una obra realizada durante la guerra cultural de los años 80 que se conecta con las batallas que estallan en la actualidad. El trabajo de Haring, escribe Knight, cubre una amplia gama de temas, dando "protagonismo a la diversión placentera, como el uso de pinturas Day-Glo fuertes que interrumpirían la quietud contemplativa de una galería de arte típicamente silenciosa con la vívida exuberancia que se encuentra en la liberación liberadora de un bar gay repleto". pista de baile. Otros eran sobrios: imágenes vinculadas a la represión política, la amenaza perpetua de aniquilación nuclear, la crueldad del apartheid, la codicia de la era Reagan, la guerra cultural incitada por el odio de la derecha religiosa, la apatía hacia la explosión de la crisis del SIDA y más".

El galerista neoyorquino James Fuentes abrió un espacio en Hollywood el mes pasado y la exposición debut presenta más de una docena de pinturas del pintor Didier William, residente en Filadelfia. Me he encontrado con el trabajo de William en exposiciones colectivas durante varios años y estaba emocionado de ver esta intrigante presentación en solitario. Sus lienzos a menudo presentan figuras sin rostro cubiertas de ojos, así como elementos gráficos que se inspiran en las tradiciones espirituales de su Haití natal. Está en su última semana, ¡no te lo pierdas!

En el Museo Wende en Culver City, hay una muestra de fotografías de Geoff MacCormack de los viajes de David Bowie a través de la época de la Guerra Fría en la Unión Soviética. El espectáculo captura un viaje realizado por el artista después de su gira por Japón en 1973, cuando se dirigió por tierra a través de la Unión Soviética a Europa, un viaje que incluyó una semana en el Expreso Transiberiano. "Esta exposición es básicamente instantáneas de vacaciones", dice la curadora invitada Olya Sova a Deborah Vankin de The Times. "No David Bowie en el estudio, sin maquillaje ni posando con luces".

La reciente ganadora del Premio Pulitzer, Rhiannon Giddens, es la directora musical del Festival de Música de Ojai este año; ella habla con el colaborador Tim Greiving sobre romper géneros en su trabajo y en el festival de este año. "Hay un elemento de incertidumbre en un programa como este", le dice, "que es el punto. Habrá años en los que todo esté escrito, y cada concierto tenga todas las piezas programadas, y se hayan practicado y todo. Este no es ese año... Creo que todos tendrán momentos de, como, 'No estoy seguro de lo que va a pasar ahora'. Pero creo que eso es poderoso".

Reed Johnson, del Times, informó sobre la atracción más antigua del Hollywood Bowl: el festival anual Mariachi USA. Un tropo de la industria es que el mariachi no vende discos. Pero, como muestra Johnson, ha mantenido una larga tradición en Los Ángeles.

Es 1971 y un aspirante a director de cine está tratando de triunfar en el negocio. ¿El negocio? Películas baratas de grindhouse que ofrecen un flujo constante de desnudez y sangre. El aspirante a director es un judío iraquí llamado Seymour, quien, además de su trabajo agotador en los peldaños más bajos de Hollywood, también se enfrenta a un matrimonio espinoso y a un nuevo bebé. Hago una reseña de la nueva novela gráfica de Sammy Harkham, "Blood of the Virgin", una intrigante historia de Los Ángeles de la década de los 70

La Escuela de Arquitectura, que durante décadas tuvo su sede en Taliesin, en las afueras de Phoenix, se mudó a Arcosanti de Paolo Soleri, también en Arizona, durante la pandemia. Sam Lubell de Metropolis se registró para ver cómo van las cosas. "Con seis semestres en los libros (incluido un par complicado por la pandemia)", escribe, "TSOA parece estar prosperando en su nuevo hogar".

Mi colega Steven Vargas tiene su lista de selecciones culturales para la semana, incluida la reposición de "A Soldier's Play", ganadora del Premio Pulitzer, en el Center Theatre Group.

Además, Matt Cooper tiene todos los acontecimientos más importantes de Los Ángeles para el mes del Orgullo.

Tim Griffin ha sido nombrado director ejecutivo de la compañía de ópera experimental The Industry. Editor colaborador en Artforum, también se desempeñó recientemente como director ejecutivo en el espacio de arte experimental de Nueva York The Kitchen.

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Selena Preciado ha sido nombrada la nueva curadora y directora de programas de Los Angeles Contemporary Exhibitions. Se une a la organización desde la Fundación Getty, donde ayudó a administrar el Programa de pasantías de pregrado Getty Marrow y apoyó la iniciativa Pacific Standard Time.

Robert W. Lovelace, un ejecutivo de Capital Group, ha sido nombrado presidente de J. Paul Getty Trust.

El artista Jim Melchert, quien creó un trabajo conceptual elegante en una variedad de medios y sirvió como un querido mentor para generaciones de estudiantes en UC Berkeley, murió a los 92 años. La colaboradora Sharon Mizota rinde homenaje a su ex maestra: "Fue en la clase de Jim que primero tuve la idea de que había más en ser artista que simplemente expresarse. También se trataba de prestar atención, mirar de cerca y con curiosidad, y estar abierto a donde podría llevarte".

Robin Wagner, un escenógrafo de Broadway que fabricó los escenarios de "A Chorus Line", "Angels in America", "Hair" y muchos más, murió a los 89 años. Wagner, como escribe la colaboradora Barbara Isenberg en su obituario, nunca formalmente Estudió diseño teatral. En cambio, dijo una vez: "Me enseñaron los directores".

— Varias producciones teatrales cancelaron espectáculos en la ciudad de Nueva York debido a las condiciones del humo. Entre ellos: Jodie Comer detuvo una matiné de "Prima Facie" de Broadway. Varias instituciones artísticas también cerraron temporalmente debido al humo de los incendios forestales, incluido el Museo Noguchi y el Parque de Esculturas Sócrates al aire libre en Queens. Un buen momento para que los manifestantes climáticos arenga a la junta directiva del MoMA.— La “Wave House” de Malibu del arquitecto Harry Gesner está a la venta por $49.5 millones. — La fachada de SFMOMA se ve sucia. — En medio de reportajes sobre San Francisco que caen del cielo, Claudia La Rocco escribe sobre un florecimiento de sucesos culturales de base. se divide en dos partes. Realmente aprecio la opinión de Ben Davis sobre el caso de derechos de autor de Warhol/Goldsmith, que señala que el Warhol en cuestión, bueno, no es muy bueno. Alice Procter en Hyperallergic también tiene una excelente reseña de Hannah Exposición "Pablo-matic" de Gadsby en el Museo de Brooklyn, que ha estado causando alboroto.— El curioso legado de los monumentos norcoreanos en África.— Se inauguró un sarcófago de piedra del período Yayoi del siglo II al III en el suroeste de Japón. ¿Qué podría salir mal?

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